Ansel Adams 1902-1984

Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco. Su tema fotográfico principal fueron los paisajes. En un viaje a Yosemite, California, captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En sus fotografías no suelen aparecer personas. A Ansel Adams se le conoce como el padre del sistema de zonas. Esta es una técnica para exponer correctamente una fotografía, que determina las zonas de grises, a base de medir con el fotómetro el gris medio de una imagen. Yosemite National Park 1948 En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan. En 1933 viaja a Nueva York donde conoce a Alfred Stieglitz con quien entabla una gran amistad y quién le granjearía en el futuro trabajos en revistas como Fortune o Life. Stieglitz también le ayuda a hacer su primera exposición fotográfica.


FOTONOSTRA

Edward Weston 1886-1958

Edward Weston: Fue un influyente fotografo norteamericano. Uno de los representantes más relevantes de la fotografia directa y cofundador del Grupo f/64, entre los que también se encontraba Ansel Adams. Este movimiento se basaba en reivindicar la fotografía como medio artístico, sin intervenir en el tema objeto de la fotografía. Es muy similar al grupo F/64. En ambos, se busca una línea completamene opuesta al pictorialismo. No hay que buscar imagenes que se parezcan a pinturas bonitas. La naturaleza, los objetos, la realidad misma, es de por sí interesante y objeto artístico. La fotografía comenzó a ser considerada como un medio artistico en sí misma y no como una forma de imitar la pintura artística (Fotografía pictorialista). No sólo la forma de fotografiar era lo que cambiaba, sino también el tema fotografiado, se buscaba la espontaneidad, lo natural, sin poses ni manipulaciones. Rumbo 181

Tina Modotti 1896-1942

(...) Al comenzar la Guerra Civil se trasladó a España para formar parte del Quinto Regimiento. Cuando llegó, renunció a realizar una sola fotografía. para ella no era compatible el arte con la violencia de los acontecimientos. Se sentía incapaz de retratar lo que veía y optó por la lucha armada. No, obstante, Vidali, como dirigente de las Brigadas Internacionales, le ordenó cambiar las armas por el espionaje, ya que sus conocimientos de italiano eran muy beneficiosos dada la nacionalidad de las fuerzas que apoyaban a los franquistas. También colaboró en los hospitales con el Socorro Rojo. Tuvo que coincidir con Gerda Taro en Almería, pues a Modotti se le encargó el seguimiento de la tragedia en esa ciudad. Sus reportajes se publicaban en Ayuda, órgano de prensa del Socorro Rojo Internacional, y los firmaba con alguno de los pseudónimos que utilizó en España: María, Carmen Ruiz o Vera Martini. (...)


Galería fotográfica 

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Lisette Model 1901–1983

(...) Cuando en la segunda mitad de la década de los cuarenta, tras la segunda guerra mundial, los encargos empezaron a declinar debido a la postura conservadora que empezaron a tener las revistas para las que trabajaba, los problemas económicos se hicieron notar. Fue entonces cuando a través de Ansel Adams, Lisette consiguió dar clases en la Californi a School of Fine Arts. Tras esta primera experiencia en la vida docente, comenzó a dar clases particulares como medio para ganarse la vida y en 1951 aceptó la invitación de Berenice Abbott para trabajar en la New School for Social Research de Nueva York. A partir de entonces y hasta su muerte en 1983 Model se dedicó a la enseñanza. Entre sus alumnos más destacados estuvieron Helen Gee, fundadora de la Limelight Gallery de Nueva York; Diane Arbus, con la que mantuvo una estrecha relación de amistad; Larry Fink y Rosalind Solomon. (...)

LA MIRADA FOTOGRÁFICA 

Roy DeCarava 1919-2009

(...) Como acción directa con los movimientos a favor de los derechos civiles, DeCarava sintió que sus fotografías tenían que “hablar alto” como muestra testimonial de la vida de los negros en América. Cuando en 1952 consiguió la beca de investigación que otorgaba la Fundación Guggenheim -primer fotógrafo negro que lo consiguió-, declaró que él no perseguía hacer documentos sociológicos, decía “mi trabajo es una creación expresiva, la clase de mirada interior y comprensiva de los negros que, según creo, sólo un fotógrafo negro puede interpretar”.

Cuadernos de Jazz

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Sophie Calle

¿QUIÉN ES SOPHIE CALLE? Lo más común a la hora de abordar la obra de un artista es remitirse, en un principio y para ubicarlo en un contexto particular, a algunos datos biográficos. Lo que hace de este un ejercicio complejo en el caso específico de Sophie Calle, es que se trata de una artista que se ha preguntado precisamente esto a lo largo de su obra —quién es ella misma, qué es eso de “ser alguien”, de “tener una vida”— problematizándolo, haciendo evidente cuán difícil es capturar una identidad, sea propia o ajena. Se puede decir entonces que Calle es una artista de amplio reconocimiento internacional, nacida en París en 1953, cuyas obras han sido expuestas a lo largo de treinta años en museos y galerías del mundo1. Pero también es posible afirmar que es la mujer anónima que aparece en las fotografías tomadas (...)


 Juliana Torres, Grupo de Guías.

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Hellen Levitt 1913-2009

(...) Nació y vivió en la ciudad de los rascacielos y de la Estatua de la Libertad y con ese espíritu de libertad paseó por los barrios neoyorquinos y capturó instantáneas que recogen eso: instantes misteriosos y líricos. De ahí que el crítico Adam Gopnik de la revista 'New Yorker' la describiese hace ocho años como la "poeta-fotógrafa suprema de las calles y la gente de Nueva York". Gopnik, quien también prologó el libro de Levitt 'Here and there' (2003), fue de los pocos críticos a los que la fotógrafa concedió una entrevista, ya que ella no se prodigó con los periodistas y tampoco le interesó el fotoperiodismo. Pero Levitt no necesitó nunca del poder mediático para darse a conocer a mediados del siglo XX cuando captaba en negativos en blanco y negro escenas fugaces que ocurrían en los barrios neoyorquinos de Harlem, Yorkville y Lower East Side. Los protagonistas de sus instántaneas fueron los viandantes y ante todo los niños. De ahí que hablar de la obra de Helen Levitt es mencionar sus imágenes de niños. Y entre ellas, dos fotos en blanco y negro de finales de los años 30 y principios de los 40: la instantánea de tres niños que salen de su casa para pedir caramelos por la fiesta de Halloween y la de cuatro niñas que caminan por la acera con la mirada prendida en cinco burbujas de jabón que ascienden melódicamente en el aire. Podría parecer que a Helen Levitt les gustan los niños pero este punto lo desmintió en la entrevista que concedió a Gopnik: "La gente piensa que me gustan los niños, pero no", "sólo es que los niños estaban fuera, en las calles". (...)


Belén Palanco (EFE)

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